Entrevistamos al músico previo a la convivencia que tuvo con sus seguidores en El Convite de la Ciudad de México.
Por Efraín Alavez Traducción Mario Cervantes
Foto especialCiudad de México, 29 de marzo de 2016.
Adam Holzman visitó la Ciudad de México como parte de la banda de Steven Wilson. La tarde siguiente al primer concierto que realizaron en el Plaza Condesa, Holzman se dio tiempo para platicar con sus seguidores, tomarse fotografías e inclusive recibir un reconocimiento por parte de los Amigos Mexicanos del Jazz en El Convite. Minutos antes de estas actividades platicamos con el músico norteamericano en relación a su más reciente producción “Spork” junto a su banda de jazz rock Brave New World.
Efraín: Muchas gracias por el tiempo otorgado a Contratiempo Jazz. Antes de entrar de lleno a platicar de su álbum más reciente queremos saber la importancia que tuvo el catálogo de Elektra Records dentro de su búsqueda de influencias musicales, tomando en cuenta el rol de su padre Jac Holzman dentro de la discográfica (fundador).
Adam: Elektra no tenía realmente un departamento de jazz y sacaba muy pocos discos de jazz hasta que Bruce Lundvall llegó a principios de los ochenta e hicieron los Elektra Musician Series. Así que mis conexiones musicales con Elektra mientras crecía eran sobre todo con la música Folk y luego el gran descubrimiento para mí fue Paul Butterfield Blues Band y luego Elektra moviéndose más hacia el rock durante muchos años.
E: Durante 4 años tocó con Miles Davis (1985-89) ¿Qué aportó a la música de Miles Davis y qué introdujo él a su música?
A: Bueno, la segunda parte es, en realidad, mucho más fácil de describir. Cuando estaba con Miles aprendí mucho sobre cómo tomar una idea muy simple y de verdad desarrollarla. También aprendí a superponer acordes que cambiaban sobre una línea de bajo estática que se repite. Este tipo de ideas abrió completamente todo tipo de posibilidades para mí. Cuando yo me uní a su banda lo que quería de mí era un tipo determinado de sonido. Esto fue a mediados de los ochenta cuando los sintetizadores empezaban a sonar muy bien y había gente seria que los utilizaba. Así que en este momento tienes los Oberheim, los PPG Wave, Prophet 5, samplers y cosas así, y Miles estaba muy interesado en esta nueva tecnología porque para él era una posibilidad para hacer un sonido de grupo grande pero con un grupo más pequeño. Creo que él me veía a mí como un tipo joven que podía moldear a lo que él quisiera, lo cual básicamente hizo, y después de un tiempo empecé a incorporar algunas ideas mías en el sonido, pero inicialmente era solamente intentar duplicar lo que estaba en los discos y completar el sonido de la banda.
E: El proceso creativo del disco Tutu, donde participó, habrá sido marcado por una constante experimentación musical.
A: Miles había trabajado con unos cuantos productores antes de empezar los temas con Marcus Miller. Y Tommy LiPuma que estaba produciendo Tutu decidió intentar hacer unos temas con Marcus. Las canciones con Marcus salieron bastante distintas del otro material que habíamos grabado. Era muy potente y Tommy decidió quedarse con ese sonido. Así que yo fui a algunas de las primeras sesiones, porque fueron a Los Ángeles, donde vivía Miles, y las sesiones eran organizadas paso a paso y yo básicamente estaba por ahí cuando Marcus ponía un ritmo de batería y luego la melodía del bajo encima, luego yo tocaría un poco el teclado, y luego Marcus tocaría el teclado también y luego vendría Miles después a añadir su parte de instrumento de viento. Y lo que hacía que esto funcionara era la calidad del material. “Tutu” es una canción fantástica, “Portia” también es una canción fantástica, y ayudé a Marcus a programar algunos de los sonidos para eso, toqué un poco en esos temas pero sobre todo toqué un solo en “Splatch” que es una especie de solo retorcido con un sampler de sintetizador. Así que ese fue el proceso. Luego se fueron a Nueva York a grabar algunas canciones más en esa línea y eso se convirtió el resultado final pero fue una cosa metodológica, paso a paso, donde, si lo vas a hacer así, los temas tienen que ser muy potentes y lo fueron, las canciones son increíbles.
E: ¿Cuál es el punto de partida de la búsqueda del sonido de Adam Holzman?
A: Copiaré algo que dijo Miles él mismo hace mucho, que es que el estilo individual de cada uno es básicamente una combinación de todas las cosas que le gusta, y a mí me gusta una combinación diferente de cosas que a ti o a otra persona y eso es lo que nos hace a todos un poco distintos. Yo no puedo compararme con los maestros como Herbie Hancock, y Joe Zawinul y esos tipos pero, para mí, quizá hay un poco más de rock en lo que tiendo a acercarme en términos de sonido del grupo y también un sonido en solitario. Me encanta el sonido de un gran solo de guitarra y con un sintetizador o un Mini Moog puedes adentrarte en eso un poco, y eso es algo que he buscado y continúo buscando y eso como que pasó de moda hace un tiempo pero yo he seguido con ello y es una parte importante de lo que hago.
E: Hablemos de la más reciente producción que ha editado con su banda Brave New World. Un grupo con el que ha trabajado más de dos décadas.
A: Estos son tipos con los que he estado tocando durante más de veinte años, y he estado haciendo giras por Europa y proyectos con buena parte de los integrantes del grupo desde hace mucho tiempo así que siempre he sentido que los grupos son más emocionantes que combinaciones de personas que fueron contratados para llegar y hacer una sesión. O, peor todavía, ves a gente hacer discos por email estos días pero ves la parte de atrás del disco y ves 20 nombres, todos famosos; sabes, no hay ninguna forma de que hayan estado todos en la misma sala al mismo tiempo hoy en día. A mí me gusta la idea de tipos que han tocado juntos desde hace mucho; creas un sonido y un estilo y luego cuando te juntas está ahí, y hay cosas que no pueden ser duplicadas por personas que se juntan ahí por primera vez. Aaron Heick al saxofón que se ha vuelto bastante conocido recientemente porque fue el saxofonista en el David Letterman Show los últimos dos años. Y también mi compañero de aventuras por muchos años, Freddy Cash al bajo. Freddy y yo hemos estado tocando desde hace muchísimo. Es una voz realmente original al bajo. Me recuerda un poco a una mezcla entre Gerald Jones y Alphonso Johnson. Es fantástico, ha sido genial. Mitch Stein, con el que he tocado desde hace muchos años, es un gran guitarrista. Y Abe Fogle con el que he tocado intermitentemente. La primera vez que toqué con Abe Fogle fue cuando hice un tour con el grupo de Kenny Garrett, justo después de que falleciera Miles. Hicimos un pequeño tour en Europa con el grupo de Kenny Garrett y Abe Fogle era el baterista. Me encantó Abe desde el principio y siempre intento trabajar con él cuando puedo. Es un tipo muy ocupado. Hace muchas cosas con Rob Thomas de Matchbox Twenty. Estos tipos son geniales y somos capaces de estar en el estudio y trabajar muy rápidamente porque hemos estado tocando juntos desde hace mucho.
E: En el booklet del disco hay varios cómics y en uno de ellos llamado “The True Nature of Jazz Rock” se menciona el disco “Birds of Fire”. Asumo que es el álbum de Mahavishnu Orchestra y que Jan Hammer es una gran influencia.
A: Él es mi héroe. Es mi favorito… Lo he dicho antes y lo diré de nuevo: él es el Charlie Parker del Mini Moog. Él creo el lenguaje de los solos con sintetizador. Cada instrumento tiene sus propias frases y riffs característicos que mucha gente adopta para hacer solos. Charlie Parker es uno de los ejemplos más claros de los maestros del bebop. Una vez Gil Evans habló de innovadores de sonido, hablando de personas como Miles, Charlie Parker, John Coltrane, Jimi Hendrix, Jaco Pastorius… tipos que cambiaron el sonido de un instrumento y, para mí, no sé si Jan cambió el sonido del Moog porque no había realmente mucha historia antes de él pero estableció lo que es el arte del Mini Moog, en mi opinión. Cuando se trata de sintetizadores, creo que Joe Zawinul es un maestro de paisajes sonoros y texturas pero cuando se trata de hacer solos complejos con un moog o algo así, Jan es mi favorito.
E: Siguiendo con el cómic, ¿Cuál es la verdadera naturaleza del jazz rock?
A: Sólo estoy bromeando en el cómic, no hay realmente ningún significado específico ahí. Es un cómic muy exagerado y absurdo sobre cómo la música normal es muy aburrida y el jazz rock es emocionante y hace que tu cuerpo se estire en formas extrañas y te hace feliz. Así que esa es la verdadera naturaleza del jazz rock.
E: Tocó anoche con Steven Wilson en El Plaza Condesa
A: He estado tocando mucho de gira los últimos dos años, mayormente con Steven y el público alrededor del mundo siempre es genial y son todos distintos pero no hay nada como el público mexicano. Son una gran energía y están tan metidos en la música y parecen verdaderamente saber de la música también, muy conocedores. Es una gran combinación de fans emocionados y verdaderos amantes de la música y no hay nada igual, como dije antes, es realmente único.
E: ¿Una vez termanada la gira con Wilson, hacia dónde se enfocará?
A: Bueno, seguir adelante. Va a haber más trabajo con Steven este año y cuando eso acabe espero ir al estudio y quiero hacer un proyecto que probablemente tendrá un trío como núcleo y tener más invitados especiales y cosas así. Ya he escrito mucha nueva música pero el problema conmigo, he estado tanto de gira (lo cual es un buen problema) que no he tenido oportunidad de trabajar de nuevo en casa y trabajar con los músicos e ir al estudio y eso, así que planeo hacer eso en cuanto pueda.
E: ¿Va a tocar su música en la Ciudad de México pronto?
A: En realidad se está hablando de intentar hacer algo con el grupo en el 2017. Intentar traer a mi banda aquí. Me encantaría eso.
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